物品如圖， 剛看到影片有人介紹油畫，就想起我兒子家有祖傳一個油畫，整個畫肉眼看一片黑黑暗沉髒兮兮的，裂裂破爛的，層層疊疊的立體剝落，我拍照時發現數位相機能看到色彩，還看到了1935,連木框都令人感到爛。
這不是寫論文，是對「祖傳破爛」直白的物理紀錄而已。
我發現假影片，留言說假貨。我去說了，所以我又被罵很慘。
我才不買畫呢！危險物品，連摸都不能摸的破爛。這張畫我看了30多年都沒看到原來上面是有寫年代的，靠，數位相機厲害！感光下去勉強能辨認出 1935。那些隨便一拍就清清楚楚的「百年以上名畫」，我是絕對不信的。
油畫的顏料有斑駁脫落的現象！台灣潮溼，保存不易，加上靠海邊風裡有鹽，氧化的厲害點。
1935.Kok。才1935就這麼破，那博物館裡看起來鮮明完整的古畫應該全部仿製品。
這是兒子家祖傳三代人的，他阿公在日據時期當老師，好像說學校裡誰給的，三十年前他阿嬤說的。我很確定這是真品，不需要任何理由。這油畫不是我的，沒所有權。
我寫清楚點，不然家裡沒人記得由來了。傳承斷代，不講就沒人知道。
看吧，所有的物品氧化都會變色，嗯沁色，這只是放著也沒有人去摸的東西，顏色一樣變了。什麼漢代古玉還能長的死白死白的，笑死！想到一次我就笑一次啊！
我覺得看新老很容易，但這是什麼，要怎麼解說，我完全不知道，我也懶的去研究，但只要看包漿就能判斷新老，即使不知道這是誰畫的或有沒有價值！全部東西對我來說都是這麼玩的，就這麼簡單。所以為什麼一直有人笑我講的包漿？還有全部東西我本來就都不懂啊！會去研究是什麼東西還不都是你們逼出來的，所以我需要懂所有東西嗎？
原本我以為看到了真的圖片，每個人都能一秒比對出真假的不同，但是我發現我錯了。我只會看包漿，家裡剛好有1935年的油畫，油畫的包漿不是平面的像現代瓷器般的開片，而是沿著油墨有立體的開裂，以油墨厚度甚至有層疊開片現象，同時還會剝落，「包漿是隨著時間流逝物品受外部環境影響下，沿著自身紋理形成的氧化層！」再次驗證了我說的包漿，所以一秒能看出真假。至於所謂的磚家為什麼要坑人，不把正確知識教給大家！當然是為了維持磚家地位啊！他們不是不懂，而是不把關鍵處說出來！我也很納悶，大家堅持堅定的相信所謂的知名磚家？卻不自己思考，所以腦子只是一個擺設品？噢專家也沒騙人的，只是少說了點。
1935都成破爛了，17世紀的跟剛畫出來的一樣，誰信？畫就是難保存，不可能看起來像新的一樣，顏色的氧化變色，顏料布料材質上脫水的裂和剝落等等...。就好像蠶絲才幾十年就會脆化，百年粉化，看到整件完美無缺的龍袍那絕對是仿製品，說說17世紀用什麼材質當畫布的，能放到三百年還完全不會爛掉！
另外礦物顏料的顏色是不均勻的，只有現代化學顏料的顏色很死沒變化，其實全部道理都共通。
例如埃及用莎草紙作畫，那新的畫就是堅韌強壯的，而老的埃及草紙畫不用摸都正在粉碎中了。不用想也知道，要破爛貨才會是真畫。
只有裂還沒剝落的大約是民國70年左右製，剛好看到，順便記錄了。
我搜了一下西洋油畫有使用動物膠質，亞麻，植物汁液和其它礦物成份，那這就會氧化成七零八落的更加破爛，說不定不注意蟲都上去啃二口的！我查了一下，亞麻氧化比蠶絲更快，20年就開始爛! 不好意思我沒文化，我看文物時都在看包漿氧化，至於美不美或藝術什麼的我沒感覺。
看氧化不需要什麼專家身份，一個材質能維持多長時間都有其年限。真的中國古畫邊框是絲綢，沒經過重新裱框的話，摸起來都粉粉的，我兒子家剛好有保存別人不要的古畫邊框，上手是滿手的粉塵，愛乾淨人會受不了，連我都不想摸，由此可知真正的龍袍摸起來應是粉粉酥酥的。
這張 1935 年的畫，目前處於「粉末化前夕」，局部剝落是油畫顏料（油性）與亞麻布（植物纖維）的伸縮率不一致。吸收水氣讓布料纖維反覆膨脹收縮，就像折鐵絲一樣，折久了布就斷了。
AI:早期油畫傳統 Gesso 是由兔皮膠 (Rabbit Skin Glue) 混合大理石粉 (Calcium Carbonate) 或石膏製成，提供一個穩定的白色基底。1935 年用的傳統底料（動物膠）非常怕潮濕。在台灣海邊，膠質會因為吸收水氣變質、失去黏性，導致 Gesso 層跟亞麻布「脫離」。這畫已經從「根部」開始爛了。Gesso 只要粉化，上面的顏料就像蓋在沙上的房子，沒救了。
其實，大家在博物館看到的「完美」，往往是人工干預的結果；而手中這幅『破爛』，才是時間最誠實的樣子。1935年的油畫在台灣掙扎了近百年，那種立體的剝落感，是現代化學儀器造假不出來的「時間厚度」。
收藏界「不能說的秘密」： 修復與重畫 (Overpainting)。許多 17 世紀的畫作看起來像新的，是因為經過無數的藝術品修復 (Art Restoration)。修復師會洗掉舊漆、填補裂縫並「重新上色」。 在修復界有一句話：「過度修復的畫，其實是修復師的創作。」
別以為老畫能隨便上手！我猜17世紀的布料早已氧化到像『燒過的紙錢』，輕輕一指，連力都沒發，它就直接碎給你看。這種『物理性的脆弱』才是真品的防偽標誌。那些能讓人翻來覆去、色澤鮮豔的 「百年古畫」，若不是現代科技產物，就是早就被換掉靈魂的皮囊。 看到古畫時，非專業人士請遠離！專業人士才會處理。
包漿是隨著時間流逝物品沿著自身紋理形成的氧化層！不管是酸洗/拋光都作不出包漿。
就像老人臉上的皺紋是隨著時間流逝沿著人臉上的肌肉筋等形成氧化層，皺紋不是無規則出現，就算化為骷髏也有人形！酸洗就像燙傷，燙傷和自然老化不同！
你說你喜歡古文物，但是你喜歡的是完美無瑕的外觀精緻的做工，不喜歡看起來陳舊老腐的外觀，呃，這種想法真的只能購買仿製品。
感受時間這詞挺不錯的！還好清楚的拍到後面寫的35，再放幾年，天曉得字還在不在，反正就祖傳的破爛，沒辦法！
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閒著沒事我問AI :17世紀的畫，放到現在經過無數次修復，原作殘存多少，修復佔比多少？這到底是修復師的畫還是原作？
這是一個藝術界爭論不休的哲學問題，通常被稱為藝術界的「忒修斯之船」。
關於 17 世紀畫作（如林布蘭、維梅爾的作品）的現狀，可以從以下幾個維度來拆解：
1. 原作殘存與修復佔比
這取決於畫作的「命運」，沒有統一比例，但通常分為三層：
支撐體（畫布/木板）： 大多經過「托裱」（在背面加一層新畫布）或轉移，原件可能只剩薄薄一層纖維。
顏料層： 17 世紀的油畫顏料（礦物顏料）化學性質穩定。如果保存得當，80% 以上可能仍是原筆觸。但如果曾遭損毀或清潔過度（洗掉色釉層），修復師補色的部分可能高達 30-50%。
光油層（凡尼斯）： 這是最常被更換的部分。為了防止氧化變黃，修復師會洗掉舊光油並塗上新的，這不影響原作，卻會改變視覺感。
2. 是誰的畫？（修復哲學的演變）
這取決於該畫作是在哪個年代修復的：
19 世紀以前（「重畫」主義）： 當時的修復師常像「二創」，會為了符合當時審美，把背景畫深或補上原作沒有的細節。這類畫作常被戲稱為「修復師的畫」。
現代（「可識別」與「可逆」主義）： 現在的修復師遵循專業倫理，只在「缺失處」補色，且補色必須是可移除的（用不同於原作的化學材質），並要求在近看或顯微鏡下能分辨出修復痕跡。
3. 核心爭議：意圖 vs. 物質
物質派： 認為只要顏料分子換了，就不是原作。
意圖派： 認為只要修復師是根據科學檢測（如 X 光、紅外線）還原畫家的原始構圖與美感，它依然是原作。
結論：
對於大多數收藏於頂尖博物館的 17 世紀名畫，它們依然被視為原作，因為核心的藝術構圖與關鍵筆觸被保留了下來。但如果你看的是像《蒙娜麗莎》那樣被層層修復的畫，你看到的確實是經過數世紀「集體加工」後的視覺呈現。
你想針對某件特定名畫（例如曾引發爭議的《救世主》）來分析它的修復比例嗎？
所以畫布是必定會換的，而顏料最少換30%，感覺AI 講的很保守，那就暫以換的最少的比率，畫布是必定要全換的：1、顏料僅換30%來說好了，多少人認同這是原作？！2、顏料換50%以上，多少人認同這是原作？！
最終原作剩多少是個謎！原作的「物質殘存量」確實可能低於大眾的想像，甚至在極端情況下變成一場「科學與偽裝的遊戲」。
最著名的例子就是以 4.5 億美金成交的達文西作品《救世主》（Salvator Mundi）：
殘存狀況： 這幅畫在修復前極度殘破，木板開裂、顏料剝落嚴重。
爭議佔比： 有藝術評論家戲稱這是一幅「當代作品」，因為據估計，畫面中約 90% 是由現代修復師 Dianne Modestini 在過去十幾年內補上去的。
原作在哪？： 雖然 X 光證明了底層有達文西的構圖（意圖），但你眼睛看到的每一寸顏色，幾乎都是修復師的筆觸。這就是你所說的：它到底是 15 世紀的原作，還是 21 世紀修復師的傑作！
目前藝術界普遍接受一個無奈的共識：「藝術價值存在於殘存的意圖中」。 只要畫布上還有 10% 畫家的親筆筆觸，且整體的構圖符合畫家的美學，它就依然被貼上「原作」的標籤。
所以重點在於「符合人們對達文西的想像」，而不是原作不原作的問題了！這場遊戲玩的就是「集體幻覺」。這不再是修復與保存的問題，而是一種「品牌管理」。
而一幅完全沒修復過、殘破不堪的真跡，在市場上反而賣不掉，因為它「不符合想像」；「視覺的說服力」早已壓倒了「歷史的真實性」。
如果漢代古玉經過現代後加工，保留原造型，局部留有漢代包漿百分之十，那要說是漢代還是現代的呀！全部古物都能以此類推嗎？
