關於攝影的價值.[轉貼]

關於攝影的價值.

作者：Benoît Felten.

2020 年 7 月 21 日.

自從我看了哈米甚在今年2 月下旬發布的視頻後，這個話題就一直在我的腦海裡迴旋。多數人從那個視頻中學到的是:哈米甚破壞了他的消極面！” 我從中得到的是：我怎麼知道他們攝影的價值？
我首先以我理解的方式定義一下文中的 value 一詞。它可能與 Hamish 所說的價值不同，但至少明白來自哪裡。我先定義它不是什麼，幫助我了解它的核心。一旦我找到滿意的定義.帶您瀏覽十多年的嚴肅攝影.找出我有價值的照片.

我不是談論金錢價值.我必須排除顯而易見的原因。首先是攝影的金錢價值和內在價值之間的相關性很小。這不是說以高價出售照片的攝影師沒有天賦。但是有很多好照片賣得不多，或根本不賣。因此，一張照片的經濟價值與它的內在價值無關，而與攝影師推銷自己的能力有關。你可以擁有最好的作品投資，如果沒有人看到作品，它就沒有金錢價值。

我不是在談論個人價值，這是另一個話題.我們為孩子和所愛的人拍攝的照片.對我們很有價值：因為他們是我們所愛的人，他們讓我們想起了共處的時刻，我們與愉快的回憶聯繫起來。這所愛之人的肖像或捕捉到的時刻。特殊風景的鏡頭與我在那裡的回憶有關，若未能捕捉到美妙景色，這張照片是次佳的。這種情況下，很難將個人情感價值與內在價值分開。對我個人來說意義重大的鏡頭.對其他人並不重要。我在很多音樂會攝影時也注意到了這一點.

之後，與多數業餘攝影師完成攝影的背景下，在這裡排除第三種價值，至少部分是：紀實價值。紀實價值在攝影的計劃中不可否認是很重要，除非你是紀實攝影師，創作一系列作品來展示社會、文化、偏見的特定題材，不管是什麼，紀實價值單次出擊將受到限制。這不是說它不存在.而是它為我們帶來一個完全不同的攝影領域。

在進一步討論之前，我強調的是，因為從這裡的討論中.“排除”某些價值，並不意味它們不應該被追求.或以某種方式不是那麼有效用。它們不是我所說內在價值的一部分，我將嘗試更具體地來定義它。

那我提到的這個內在價值是什麼，我如何定義它？我認為內在價值是對特定圖片對觀眾說話程度的主觀衡量標準，無論觀眾與拍攝對象相距多遠。當薇薇安·邁爾 (Vivian Maier) 的照片出版時，許多人不知道她是誰、從未去過芝加哥、從未拍攝過 Rolleiflex的人.都驚嘆道：我們不可能都渴望成為下一個邁爾，但有一些東西可以幫助我們定義內在價值。

我抱持三個基本要素.可以使圖片具有內在的價值：

普遍性：對於在街上隨機挑選的一張圖片來說，它所描繪的東西必須具有某種普遍性。我的意思是，無論拍攝的特定背景如何，它都必須與與主題沒有個人聯繫的人產生共鳴：他們不知道肖像的主題，他們從未去過它描繪的地方，甚至可能不知道那個地方在哪裡，等等。有時普遍性是捕捉人們知道的地方或人的本質，最常見的是通過他們不知道的主題捕捉概念或想法的本質.

構圖：為了讓一幅畫打動觀眾並吸引他，必須以既不乏味也不過於明顯的方式展示它所描繪的東西。我不會深入探討什麼是卓越的作曲。無論主題與每個人多麼相關，無論它對觀眾有多麼普遍，如果構圖乏善可陳，觀眾就不會重視它。

獨特性：我們要面對現實，我們通常會以相同的方式拍攝相同的主題。當觀眾覺得他已經看過十幾次時，該張照片很難脫穎而出。這解釋了街頭攝影的吸引力（攝影師可能會覺得他拍攝的是一個永遠不會被複製的獨特瞬間）以及底片的吸引力（這讓攝影師有接近事物的感覺.以非主流的方式）。類似技術如何真正吸引觀眾可能與攝影師在拍攝時.認為自己的獨特性或原創性無關。但內在價值至少部分取決於觀眾認為圖片的獨特性。

這一點應該強調，我認為這方面的任何一個都不足以在圖片中產生內在價值：在不同程度上需要所有三個方面。這就是為什麼冷靜地審視自己的作品.並找到具有內在價值的圖片.會如此困難的原因。與許多人的圖片，其中確定構圖並展示獨特的觀點。通過那個練習，從自己的經歷中.提取一些具有內在價值的“嚴謹”攝影的照片。我解釋他們這樣做的原因，並讓你做判斷。

最初我進行嚴肅攝影的是給我的孩子拍照，拍攝我喜歡的爵士音樂家，每個月都會去現場看。在這兩種情況下，一旦我克服了最初的煩惱並獲得了我喜歡的照片，我就很難理解為什麼人們不喜歡我的照片，或者不像我那麼喜歡它們.我將我的個人價值評估.投射到沒有普遍價值的圖片上。

一個孩子點擊了這個照片.那恰好不是我的。那是一個朋友家人在海灘上，我碰巧用非常淺的景深拍攝了他們的女兒。產生的鏡頭，用一些棕褐色調的黑白處理，碰巧喚起你小時候的一種夏日懷舊之情，也是一個快樂和無憂無慮的青春時光。我立即意識到，那張照片的人比我孩子的照片相關的人還要多。



夏日微笑，佳能 7D，2011

在演唱會拍攝方面也有類似的經歷。那些不認識音樂家的觀眾.(在爵士樂的世界裡，許多出色的音樂家實際上是不為人知的）對我的鏡頭無動於衷。我注意到黑人演唱會照片似乎更能引起共鳴，這取決於多數人對爵士樂的印象。我拍了一張大號手約瑟夫·戴利的照片（見上圖），後來在布宜諾斯艾利斯畫成了壁畫.但真正讓我意識到這種普遍性的一個鏡頭.是歌手羅恩·史密斯 (Ron Smyth) 之一，他是一位相對不為人知（但才華橫溢）的福音和藍調歌手。有趣的是，這是我唯一成功的音樂家電影鏡頭之一。這個作品很有效，因為它喚起了 Miles Davis 60 年代的鏡頭，所以即使他們對爵士樂（布魯斯或福音）一無所知，也可以將圖片與他們知道的東西聯繫起來。底片顆粒賦予它多數其他鏡頭所缺乏的特性。



黑暗中的羅恩，佳能 A2 + 柯達 T-Max 3200，2013


隨著我的進步，逐漸形成另一種攝影風格是在水面上長時間曝光。這是一種無意識的做不同的事情的方式（至少我的非攝影師朋友都沒有這樣做）而且我可能被問到“你是如何拍攝這種照片的？” 我很快意識到，沒有什麼比在水面上進行長時間曝光拍攝.仍然會練習這種風格，現在我需要拍攝不同的地點或帶來不同的東西。我發現的一件事是，當暴露時間過長（或超過一秒）時，我不喜歡急流的光澤。這個鏡頭之所以突出是因為這個原因：我明白少曝光（ 1/15 秒）是最佳的畫面，我使用底片.會給人一種不同的感覺，

我涉足街頭攝影.這樣做，儘管我拍攝的香港多的是紀實性質，而不是藝術。不確定我是否有耐心或眼光來拍攝精彩的街頭攝影。看到的時候就認出來，但是很少拍。不過有一個例外，是一次底片拍攝。在一個美麗的春日，我在倫敦漫步，看到穿著紅色連衣裙的女人走在街的一邊。我意識到咖啡館是一個很好的背景，我本能地按下了快門。後來才注意到燈柱和右邊吸煙的人。在這裡，我構成好鏡頭，與場景有一定的相關性.很突出。



紅衣女郎，佳能 A2 + 富士 Pro 400H，2013

儘管如此，我一直堅持下去，嘗試許多不同風格的攝影，儘管從未真正確定過任何是我自己的東西。也許是所有的攝影都已經完成了，但自從閱讀底片雙重曝光並看到了一些偉大攝影師的作品後，我就將植物紋理與肖像疊加的想法。我有幾次失敗的試驗，但它們向我展示了哪些不起作用，最後我開始了我的項目Human Nature。反映真的很棒，我走在一條即使不是獨一無二的道路上。我在這裡寫了幾篇 關於這類文章，而且這滿足了所有三方面的普遍感覺（我們可以與人和自然相關），有點獨特（很少有人像我一樣探索這種技術）和有效的構圖（至少對於我正在展示的那些照片。）這張諾拉的照片尚未在這里分享。



肥沃的頭髮，富士 TX2 + Ilford FP4+，2019

那麼我從這中得到什麼呢？經過十年的認真攝影，製作了一些我認為具有內在價值的照片，這些照片很多人都可以在沒有被監督和過度使用的情況下產生共鳴。攝影師和非攝影師都可能覺得有趣的圖片。它們很少而且相距甚遠，它們放在一起看起來一點也不像是一個連貫的作品集。但我覺得並非一無是處。我懷疑，對於你們的多數人來說，如果你進行類似的練習，你也會拍攝具有內在價值的鏡頭。希望你沒有扔掉以前拍過的舊底片，

註: [中文翻譯怪.有稍作修正].

有關此處討論的主題.有關 35mmc 的更多文章，請複製連結：

攝影哲學